Heroínas de película

La cartelera de otoño se ha llenado de mujeres que rompen moldes. Películas basadas en la realidad, en la literatura o en un quizá histórico nos han mostrado heroínas singulares que supusieron una revolución en su tiempo o que marcan tendencias en el siglo XXI.

Lisbeth Salander, creada por el escritor Stieg Larsson, es el nuevo icono feminista. La protagonista de la saga Millennium, es un personaje antisocial, independiente y rudo que se ha convertido en el modelo de heroína de nuestros tiempos. Aunque lo cierto es que pocas mujeres querrían estar en “La piel de Lisbeth Salander”, que se ve inmersa en numerosas desventuras a lo largo de los tres libros que componen la trilogía.

También sacada de las páginas de un best seller, La elegancia del erizo, es Renée Michel, la portera de un edificio de París que representa las cualidades de la anti heroína. Ella misma se describe como bajita, gorda y fea, pero bajo su apariencia inculta y arisca se esconde en realidad una personalidad inteligente y de una elegancia inconmensurable. En El erizo, recientemente estrenada en España, Mona Achache relata el encuentro inesperado entre algunos de los habitantes del número 7 de la calle Grenelle y su sorprendente desenlace. Un emocionante himno a la vida de principio a fin.

Tráiler de El erizo (en francés)

Heroínas de carne y hueso

Amelia, dirigida por Mira Nair, narra “la vida de una mujer que cobró alas” (artículo de J. L. Urraca). La piloto estadounidense Amelia Earhart, se convirtió en símbolo del espíritu libre americano, tras ser la primera mujer que cruzó el Atlántico. La fama y la fortuna de esta legendaria "diosa de la luz" experimentaron un meteórico ascenso. A pesar de su popularidad internacional, su pasión por el riesgo y por ser ella misma, una mujer independiente y directa, la llevaron a embarcarse en peligrosos retos. Entre tales aventuras destaca el viaje en solitario alrededor del mundo que decidió realizar en el verano de 1937, uno de los más famosos de la historia.

Tráiler de Amelia (en inglés)

Alejandro Amenábar interpreta a su manera la caída del Imperio Romano y el protagonismo de la filósofa Hipatia en aquél periodo de la historia. En Ágora conocemos a esta mujer adelantada a su tiempo que, de haber vivido en otras circunstancias, podría haber adquirido una importante notoriedad, aunque no todos los expertos están de acuerdo en el papel que esta joven desempeñó realmente.

Tráiler de Ágora (en inglés)

Por inclemencias del ambiente, de la época o de los pormenores que rodean a estas mujeres ninguna obtiene la recompensa que sus esfuerzos merecen. Pero la influencia que ejercen sobre la sociedad y el público es indiscutible.

“La información es uno de los más grandes pilares de la democracia” (Alberto Arce)

Cuando comenzó el bombardeo israelí sobre la franja de Gaza en la Operación Plomo Fundido, Alberto Arce se encontraba en la zona grabando un documental. Las imágenes que filmó durante los 24 días de guerra como periodista empotrado en las ambulancias se convirtieron en la película To shoot an elephant.
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Alberto Arce. Fuente: Google

Hace ya casi un año del ataque. Los periodistas internacionales fueron silenciados al negárseles la entrada en la zona. Pero Tel Aviv no contó con los testigos incómodos que ya estaban dentro. El cineasta Alberto Arce y su compañero, Mohammad Rujailah, junto a dos corresponsales de Al Jazeera International, fueron los únicos extranjeros que consiguieron escribir, filmar e informar sobre lo que estaba sucediendo dentro de la asediada franja palestina.

Tráiler de To Shoot an elephant (en inglés)

To shot an elephant (página oficial), película galardonada en el Festival de Popoli con el Premio a la Mejor Dirección, se estrenó el pasado 4 de diciembre en el Pequeño Cine Estudio de Madrid. Arce concibe como un deber compartir lo que sucedió en Gaza aquellos días: “No podemos ser imparciales. Intentamos ser honestos y contar lo que hemos visto y lo que sabemos. Soy periodista. En el ataque a Gaza, ningún ‘periodista oficial’ tenía autorización para entrar, nosotros éramos los únicos testigos de lo que ocurrió ese 27 de diciembre, con todas las responsabilidades que eso conlleva”.

Arce entiende el periodismo como “una mano encendiendo la luz en una habitación oscura”. Para él el profesional de la información se debe a la verdad y a la sociedad para la que trabaja. “Todos los gobiernos deberían sentirse nerviosos cuando alguien va por ahí, con una cámara o un lápiz, dispuesto a publicar lo que consiga entender. Y todo ello por el bien de la información, uno de los más grandes pilares de la democracia”, asegura.

Arce ha elegido una forma de distribución poco habitual para su película: "está colgada en Internet completa y licenciada con Creative Commons". Es una apuesta arriesgada, comercialmente hablando. ¿Por qué este golpe de efecto? "Los documentalistas nos quejamos siempre de lo poco que se ven nuestros trabajos, pero, en general, no nos esforzamos para que nuestro mensaje llegue a una gran mayoría de público”.

Y es que Arce no hizo la película para unos pocos. “Es un objeto de denuncia y aspiro a que la vea todo el mundo. No estoy de acuerdo con la fórmula tradicional de distribución de los documentales. No me siento cómodo en esa lógica de explotación comercial. Hay que buscar una salida a ese mecanismo perverso que ni comprendo ni comparto. Es una cuestión de coherencia política. Al final de la película, muere uno de nuestros compañeros, pero yo no puedo privatizar su muerte para hacer carrera. Puedo vivir de otras cosas".

Fotogramas de To shoot an elephant

El objetivo de Arce con la publicación del filme no era comercial, sino sensibilizar al público con las historias terribles que se vivieron aquel mes, hacernos parte de la realidad de Gaza. Sin embargo, su frustración es patente: "creía que acumulaba pruebas para denunciar un comportamiento criminal y que cambiaría algo".

No se rinde en su empeño. Iraq y Afganistán son sus próximos compromisos con la verdad. Allí pretende volver a ser testigo directo de las miserias de la guerra y transmitirlas con la mayor honestidad que pueda, manteniendo la esperanza de despertar un compromiso social generalizado contra la injusticia.

Por el momento, Arce ha anunciado la organización de “una proyección global en decenas de ciudades de todo el mundo, para recordar lo que sucedió”. La fecha elegida es el 18 de enero, aniversario del alto el fuego. "Espero que la película sirva para remover las conciencias. La ilusión es lo último que se pierde".

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Disparando un Elefante (1948), de George Orwell, sirvió de inspiración para el titulo de la película de Arce.

La buena salud del cine español

Nuestras producciones nacionales devuelven a la cartelera española el prestigio perdido en los últimos años. El éxito de taquilla avala filmes como Ágora o Celda 211 y se espera un resultado similar para dos estrenos de este fin de semana: El baile de la Victoria y Planet 51.

Le toca al público pronunciarse. Fernando Trueba prefiere no guiarse por las críticas negativas que cosechó El baile de la Victoria en el Festival de San Sebastián. "El único examen importante se hace cuando han pasado 25 años. Hay que dejar pasar ese tiempo, porque valorar algo tan reciente es difícil", aseguró en el estreno.

El filme, rodado en Chile y basado en la novela de Antonio Skármeta, narra la historia de Vergara Grey, un preso que comprueba lo mucho que ha cambiado su vida cuando sale de la cárcel. Ante un matrimonio acabado y un hijo cada vez más distante, decide retomar su reputada carrera como ladrón de cajas fuertes junto a otro joven ex presidiario. Para dar “el golpe del siglo” Trueba ha unido a grandes actores españoles, argentinos, brasileños y cubanos.

Tráiler de El baile de la Victoria

El director podría recibir el mismo reconocimiento por parte de la Academia de Hollywood que obtuvo con Belle Époque. El baile de la Victoria es la película seleccionada para representar a España en los Oscar 2010.

No es algo que le quite el sueño a Trueba, pero, según dijo en rueda de prensa, espera “no tener que forcejear con Almodóvar" en el caso de recibir el premio, pues será el manchego, junto con Quentin Tarantino, el encargado de entregar la estatuilla en la categoría de mejor película de habla no inglesa.

Es posible que otra producción española, la más ambiciosa hasta la fecha, comparta el escenario del Teatro Kodak de Los Ángeles con El baile de la Victoria el próximo 7 de marzo. Planet 51, filme del que hablamos en Rutas del Cine la semana pasada, también ha sido seleccionada para representar a España en la próxima edición de los Oscar.

“Aprobado” del público

Otro que sabe lo que es recibir el reconocimiento de la Academia de Hollywood es Alejandro Amenábar, que de nuevo se ha atrevido a narrar una controvertida y ambiciosa historia al más puro estilo de las grandes firmas.

Hipatia, protagonista de Ágora, obtuvo la simpatía del público desde el estreno del filme en octubre. La historia nos cuenta cómo el declive del Imperio Romano y el avance del cristianismo desembocan en trágicos acontecimientos como la crisis de identidad de los ciudadanos de Alejandría o la desaparición de su insigne biblioteca.

Además, sufrimos con los conflictos de una mujer adelantada a su tiempo que de haber vivido en otras circunstancias podría formar parte de la historia.

Tráiler de Ágora (en inglés)

Daniel Monzón nos hizo aguantar la respiración en Celda 211 (sitio oficial). En la escena, Juan, un funcionario de prisiones, se encuentra accidentalmente atrapado en un motín en el sector de los FIES, los presos más temidos y peligrosos. Para sobrevivir y salir ileso de la cárcel que ahora le apresa a él también, Juan se hace pasar por un recluso más.

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En ambas cintas nos encontramos ante la paradoja que torna el destino de personas que están en el lugar equivocado en el momento menos oportuno.

Tráiler de Celda 211

Los últimos esfuerzos de nuestros directores parecen augurar el comienzo de la edad de oro del cine español. Y es que, tal y como demuestra la producción de Trueba, la vida es un baile que nunca sabes cómo termina.

Planet 51, la gran apuesta española de animación

La mayor producción cinematográfica realizada en España hasta la actualidad tiene casi tantos detractores como defensores. Hasta el próximo fin de semana no podremos verla en nuestras salas, pero el estreno de Planet 51 en Estados Unidos el pasado viernes adelanta algunas impresiones.

Con reminiscencias a los clásicos sobre extraterrestres (E.T.) y a aventuras espaciales reales (la llegada del hombre a la Luna) y ficticias (2001: Odisea en el espacio), Planet 51 está dispuesta a entrar con fuerza en el mercado norteamericano. La cinta, dirigida por Jorge Blanco, ya ha sido preseleccionada para los Oscar. La firma del guionista Joe Stillman, autor de Shrek y Shrek 2, augura buenos resultados.

En el largometraje, Chuck, un astronauta americano, aterriza en Planet 51 (sitio oficial, official site) pensando que está haciendo historia. Pero pronto descubre que el planeta está habitado por pequeñas criaturas verdes que viven felizmente en un mundo que recuerda a los alegres años 50 de América. Chuck necesitará todo su ingenio y la ayuda de sus compañeros de aventuras para no convertirse en una pieza más del Museo Espacial de Invasores Alienígenas.

Tráiler de Planet 51 (en inglés)

La ambiciosa producción española no tendrá tan fácil conquistar Hollywood. Las críticas más negativas no se han hecho esperar. “Planet 51, perdida en el espacio”, titulaba el periódico The Wahington Post; y The New York Times seguía la misma línea al afirmar en un artículo: “Agradable pero flagrantemente poco original”. Puede que el destino de Planet 51 en Estados Unidos no sea el esperado. O quizá se trate de la expresión de un recelo ante la respetable competencia que desde España se impone a las superproducciones de Los Ángeles.

Blanco defiende la singularidad de su creación: “Nadie ha contado un universo como el de Planet 51”. Y las críticas de los niños españoles que han podido ver la película antes de su estreno en nuestro país no pueden ser más satisfactorias. Habrá que esperar a los resultados de la taquilla, pero el filme promete ser una de las estrellas de la cartelera de diciembre, especialmente con vistas a la Navidad.

Por el momento, además del beneplácito del público infantil, Planet 51 ha conquistado el interés de más de 100 marcas de todo tipo de productos. Hace más de un año que la industria de los juguetes decidió invertir en la licencia de la cinta. La empresa videojuegos Planet 51 también ha hecho los deberes y sólo espera la orden de salida. Sin duda serán algunos de los regalos más demandados.

A la promoción de la película contribuirá también una conocida cadena de comida rápida, que distribuirá doce millones de muñecos en 35 países. Se calcula que esta avalancha de productos generará un beneficio en torno a los 150 millones de euros, una cifra más que suficiente para recueprar los 60 millones invertidos en la producción del filme.

Personajes de Planet 51

Llega el fin del mundo… a la gran pantalla

Esta temporada los directores de cine se han confabulado en contra de la humanidad. Varias películas estrenadas este otoño nos muestran lo peor y lo mejor de nosotros mismos en situaciones extremas. Contengan la respiración.

Del ejemplo más reciente aún no nos hemos recuperado. Lleva apenas dos días en las salas de nuestro país, pero era de las más esperadas. Este fin de semana se estrenaba 2012, que ilustra una profecía maya según la cual el mundo terminará el 21 de diciembre de dentro de tres años. Siguiendo la estela de sus anteriores filmes apocalípticos (Independence day o El día de mañana), Roland Emmerich nos enseña un aluvión de catástrofes naturales bajo espectaculares efectos especiales. En una entrevista a El País el director nos acerca a su visión del desastre.

Con un guión pobre y un hilo argumental desequilibrado, en la escena John Cusack interpreta a un hombre que intenta salvar a su familia de los desastres que asolan la tierra en 2012. La típica historia del marido y padre mediocre que recupera la confianza de los suyos ante la adversidad, llámese, en este caso, “fin del mundo”.

En algunos momentos le parecerá tener un déjà vu, pues la trama y la narración recuerdan bastante a Deep Impact. De las imágenes más inquietantes destacan Los Ángeles sumergiéndose bajo el mar y la Cuidad del Vaticano hecha añicos, ¿una metáfora de los tiempos que corren?

Tráiler de 2012 (en inglés)

Otro padre coraje, esta vez con el rostro de Viggo Mortensen, nos demuestra todo lo que se es capaz de hacer por un hijo en una odisea posnuclear en la que ni siquiera los hombres son como recuerdan. Estas son las premisas de La carretera, filme oscuro y siniestro en el que el director John Hillcoat nos descubre las reacciones extremas de los seres humanos ante una situación más que crítica.

El actor explica a El País las claves de su personaje. Mortensen concibe la trama como una historia de amor entre dos personas que luchan por sobrevivir a toda costa.

La carretera es una atrevida adaptación de una novela de Cormac McCarthy, escritor que ya versionaron los hermanos Coen con su particular No es país para viejos.

Tráiler de La carretera (en inglés)

Una de epidemias

También este otoño hemos podido disfrutar de la opera prima de los hermanos Pastor, Infectados. En un momento más que oportuno, en el que el mundo entero acusa los temores hacia la nueva gripe A, los directores imaginan las consecuencias de un virus mortal desconocido que se propaga entre toda la humanidad.

El mensaje principal se adelanta en la presentación de la cinta: “hay algo más peligroso que el virus: los infectados”. El filme cuenta la huida de cuatro jóvenes de esta devastadora epidemia y de los enloquecidos contagiados.

Tráiler de Infectados (en inglés)

La primavera pasada otra pandemia llegaba a la gran pantalla. En A ciegas, adaptación del magistral Ensayo sobre la ceguera, de José Saramago, el director Fernando Meirelles nos angustiaba con la idea de que la humanidad dejara de ver el mundo que le rodea. Quizá no se aparte tanto de la realidad.

¿A qué se debe el éxito de las películas apocalípticas? Las teorías sobre el fin del mundo son tan numerosas que poco impacto causan ya en el ser humano. Puede que llevarlas al cine sea una forma de consuelo: no importa lo mal que la vida le trate, podría ser peor. O puede que estemos ante una advertencia sobre nuestra breve estancia en el planeta: ¿cuánto estamos dispuestos a sacrificar?

Premio al drama de la inmigración

Las historias desgarradoras que la inmigración esconde dejaron de ser un tema recurrente en el cine español cuando nuestro país se consolidó como un territorio receptor de personas en busca de nuevos horizontes. El testigo lo han tomado con maestría directores sudamericanos y de la Europa que aún emigra para sobrevivir. Los festivales de cine internacionales se rinden en elogios.

El director serbio Goran Paskaljevic ha ganado por tercera vez en su carrera la Espiga de Oro en la Semana Internacional de Cine de Valladolid. Esta vez se ha impuesto gracias a su largometraje Honeymoons (Lunas de miel), que narra la historia de dos parejas que abandonan sus países de origen, Albania y Serbia, con la esperanza de hacer realidad sus sueños más allá de sus fronteras.
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La calidad técnica y humana del filme ha logrado también el Premio FIPRESCI, que otorga la Federación Internacional de Críticos de Cine.

En América la tendencia es bien distinta a la española. En la pasada edición del Festival de San Sebastián se proyectaron visiones heterogéneas sobre el tema, dentro del apartado Horizontes Latinos. Entre el elenco de directores independientes y comprometidos con el drama diario de pueblos enteros se encuentra Cary Joji Fukinaga, que con Sin nombre (sitio oficial) relata el viaje en tren de los inmigrantes centroamericanos que atraviesan México de sur a norte en su anhelo por alcanzar la tierra prometida.

La cinta, que se ha estrenado este fin de semana en España, le ha valido a Fukinaga dos premios en Sundance y el principal galardón de Deauville.

Tráiler oficial de Sin nombre (en inglés)

Historias similares se cruzan en Norteado. El mexicano Rigoberto Perezcano aporta otra visión de cómo los inmigrantes intentan entrar en Estados Unidos. El filme ha podido terminarse gracias a los tres premios del ciclo Cine en Construcción del Festival de San Sebastián que el director ganó la pasada edición. Perezcano agradece esta ayuda y habla del propósito y el sentido de su película en una entrevista concedida a Radiocine. Hasta marzo no podremos disfrutarla en España, pero este prometedor adelanto justifica el apoyo del certamen.

Tráiler de Norteado

Cambian los caminos, pero se mantiene siempre un mismo objetivo: encontrar la felicidad. Los rostros son distintos. Pero las historias, paralelas y la esperanza, sólo una.

La verdadera cara de Blancanieves

Disney anunciaba esta semana el lanzamiento de uno de sus clásicos en Blu-ray. Blancanieves, la princesa más veterana de la factoría de dibujos animados, reaparece con sus siete enanitos en alta definición, con sonido e imagen mejorados. ¡Ya era hora! La pobre necesitaba este lavado de cara desde hacía años…

Blancanieves alcanzó el éxito protagonizando el primer largometraje de dibujos de la historia, en 1937. Aquella época en la que el príncipe azul apenas tenía apariciones estelares en la escena de la trama. Su fama creció como la espuma, pero se iba haciendo mayor y Disney la sustituyó por otras princesas más jóvenes y atractivas. En los últimos años Blancanieves ha sido parodiada, convertida en mito erótico por algún publicista e incluso transformada en heroína de videojuegos. Su imagen de niña dulce ha pasado a la historia.

Caricatura de las princesas de Disney

Con el lanzamiento de la película en Blu-ray hemos conocido a la modelo de carne y hueso que inspiró a los creadores de Blancanieves: Marge Champion. La bailarina y actriz cuenta a Antena3.com las largas sesiones que aguantaba posando para los dibujantes cuando tenía trece años. Desde luego, el trabajo creativo ha evolucionado bastante desde Blancanieves hasta Up, donde el ordenador y la imaginación son las piezas clave.

Marge Champion vestida de Blancanieves

Como les pasa a todas las niñas prodigio, la joven princesa creció y los publicistas más ingeniosos dejaron de verla como aquella niña dulce y delicada… Entonces alguien pensó: si en lugar de por la malvada madrastra, Blancanieves se hubiera dejado seducir por una manzana con marca registrada su imagen habría resultado mucho más sensual. Lo que sea para vender, que ya se sabe: sexo, violencia y muerte son las fórmulas más seguras para obtener el beneplácito de las masas.

Otros genios del arte de la promoción desnudaron a Blancanieves y a los siete enanitos y los metieron juntos en la cama en una escena muy insinuante. El objetivo: demostrar que la cerveza australiana que anunciaba el spot era “de todo menos dulce”. El impacto fue tal que la campaña tuvo que ser retirada de inmediato por las fuertes críticas que suscitó.

Campaña de Jamieson

Si lo anterior les parece rocambolesco, vean la última aventura de Blancanieves. En Zombie Panic in Wonderland la princesa se alía con Dorothy y sus zapatos mágicos y con la Alicia de Lewis Carrol para defender con uñas, dientes y un arsenal de pistolas el país de las maravillas frente al ataque de los zombies. No se asusten, no es la nueva apuesta de Disney para la gran pantalla. Se trata de un videojuego creado por un joven valenciano que nos revela la cara agresiva de nuestra dulce princesita.

Tanto trasiego ha dejado hecha polvo a Blancanieves. No nos extraña. Y es que, ¿quién dijo que fuera fácil ser princesa Disney?

Nuevo tráiler de Blancanieves

Malditos bastardos: no es otra peli de Nazis

Superada la sublime escena inicial, durante la primera parte del filme el espectador se debate entre la carcajada y la turbación de que un episodio tan dramático de la historia pueda resultarle cómico. Pero tras la proyección de la cinta la sonrisa y el deleite dominan las salas de los cines. Y es que el descaro de Tarantino al presentar a un Hitler ridículo hasta el extremo y a unos Malditos bastardos capaces de reescribir el pasado va in crescendo a lo largo de la película.

La Segunda Guerra Mundial sirve de contexto para el encuentro de los personajes. Un grupo de soldados norteamericanos de origen judío cuyo único objetivo es matar Nazis. Una agente doble que les ayudará en su tarea. Una joven judía que presenció el asesinato de toda su familia y busca venganza. Un inteligente “cazador de judíos” que tratará de impedir cualquier atentado contra el Reich.

La historia, la conocemos. Aunque Tarantino se permite ciertas licencias a la hora de narrarla con su particular estilo y con una visión sorprendente. Tanto que desde la butaca a veces se confunde la realidad con la ficción y otras muchas, el director nos hace cuestionarnos aquello de “¿qué habría ocurrido si…?”.

Quentin Tarantino cuenta a ELPAIS.com que se planteó la película como la historia de “un grupo de hombres en una misión”. Cuando empezó a escribir el guión el director no albergaba pretensiones de ningún tipo. Asegura a EiTB.com que fueron sus personajes los que hicieron fluir el argumento. Cuando cobraron vida, ya no pudo pararlos.

El elenco de actores elegidos para encarnar a los protagonistas no pudo ser más acertado. El director reconoce que cuando escribe sus diálogos los dota de cierta musicalidad que pocos son capaces de interpretar. No todo el mundo sabe leer poesía. Pero Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Diane Kruger, Michael Fassbender o Daniel Brühl sí convencieron al exigente Tarantino.

Christoph Waltz (coronel Hans Landa)

Mélanie Laurent (Shosanna Dreyfus)

El cine como solución

Que el tercer Reich pueda ser fulminado gracias al poder “oculto” de las películas y desde una sala de cine no es casualidad. Quentin Tarantino no pudo evitar sentirse seducido por esta idea y plantear que fuera el séptimo arte el que destruyera a los Nazis. No es más que un sueño con un final nada feliz, cierto. Pero un idilio que sólo los grandes pueden atreverse a recitar.

Tráiler de Malditos Bastardos (en inglés, subtitulado en español)

Otras visiones particulares

Pero Tarantino no es el primero que osa mirar con desprecio a los Nazis y reinventar los años de barbarie que impusieron en Europa.

Con más ternura e ingenuidad, Roberto Benigni nos enseñó que La vida es bella, incluso en los campos de concentración, si nos esforzamos en mirar con esperanza. La historia de un padre que lucha por salvar la vida y la inocencia de su hijo cuando ambos son arrestados por su condición de judíos arrancó las lágrimas del público en 1998. El director nos demostró que en los juegos de niños (escena en español) los malos nunca ganan.

Cartel de La vida es bella

Muchos años antes, en 1940, un tal Charles Chaplin parodió la dictadura y la represión enfermizas de un hombre que en esa época dominaba el centro de Europa. El gran dictador apela en tono de humor a la libertad del ser humano y al fin del totalitarismo.

Cartel de El gran dictador

El mismísimo Hitler tuvo oportunidad de ver la película de Chaplin. Lo que no es nada probable es que se sintiera identificado con el magnífico discurso a la humanidad (escena en español) pronunciado por su alter ego.

El propio Chaplin reconoció tiempo después del estreno del filme que, de haber conocido las atrocidades cometidas por el régimen Nazi durante los años de su dominio, no habría creado una película tan sarcástica.

Tarantino quizá se enfrentó a la misma duda. O quizá no. En cualquier caso, la última aportación al cine de este singular director no dejará indiferente a nadie. Él lo sabe: estamos ante una gran cinta. “Creo que esta podría ser mi obra maestra”, dice Pitt en una de las escenas del filme… ¿Es Tarantino quien habla?

Escena de Malditos Bastardos